Les photographies de Carline Bourdelas sont à découvrir au château Mourgues du Grès

Balzac nous plonge dans le monde de la peinture au XVIIe siècle, aux côtés de trois artistes : le jeune Poussin, le peintre Porbus et surtout Frenhofer, un vieux maître obsédé par la perfection.

Depuis dix ans, Frenhofer travaille en secret sur un tableau qu’il considère comme son chef-d’œuvre, une œuvre vivante, parfaite… Mais lorsqu’il la dévoile enfin, ses amis ne voient qu’un chaos de formes, à peine une jambe identifiable. Frenhofer, fou de douleur, comprend qu’il s’est trompé, qu’il est seul à voir la beauté. Il brûle ses toiles et se suicide.

À travers cette histoire, Balzac interroge ce qu’est la création artistique, le regard, et la folie du génie. Peut-on tout comprendre de l’art ? La beauté est-elle dans l’œuvre, ou dans l’œil de celui qui la contemple ?

En quelques pages, Balzac nous propose une profonde réflexion sur l’absolu en art, le danger du perfectionnisme, et la solitude du créateur. C’est une œuvre courte mais vertigineuse, qui nous parle encore aujourd’hui.”

Carline Bourdelas réalise une série pour la Rotonde Balzac sur la folie et le génie de l’artiste en s’inspirant du Chef d’œuvre inconnu.

Ce qui attire Carline Bourdelas dans ce texte, pourtant terriblement conventionnel, c’est le thème de l’œuvre invisible. Elle n’existe et n’est parfaite que dans l’imagination du peintre. L’Art avec une majuscule est un absolu. Mais il se confond dans l’imaginaire de l’artiste avec une femme dont on ne sait si elle est rêvée ou bien réelle. Cette femme, Carline Bourdelas l’a-t-elle rencontrée ? Apparition fugace elle émerge d’un monde singulier ou les plans se mêlent ou jaillissent parfois des détails réalistes. Et de ce chaos émerge cette sublime créature à l’incroyable chevelure rousse.

Carline Bourdelas à Deauville

Cette fascination pour la figure féminine est cependant inséparable de l’atelier dans lequel elle apparait ; le héros de Balzac insiste sur « le charme de ce lieu où se révèlent quelques-uns des procédés matériels de l’art » où le fatras des outils de la création ne laissent subsister qu’un étroit chemin symbole de la complexité d’un monde où la figure de l’idéal reste empêtrée dans la réalité matérielle de l’atelier. Réalité permanente de l’atelier ou travaille l’artiste que l’on retrouve un siècle et demi plus tard dans l’espace encombré de l’atelier de Ronan Barrot que Carline Bourdelas a photographié.

On est loin aujourd’hui de la cuisine de cette peinture « pleine de demi-teintes et de glacis » de cette « pate souple et nourrie » des peintres de la renaissance italienne que décrit Balzac.

C’est de cette tambouille du peintre pourtant ignorée et condamnée aujourd’hui, qu’émerge la figure lumineuse de la « femme apparence » découpée dans le réel, issue elle aussi de multiples manipulations de la technique photographique, elle montre bien que le travail de l’atelier reste toujours au cœur de la création.                                                                    

Texte de l'artiste

Bois pétalisé par Claire Boucl au château Mourgues du Grès

Cette œuvre rend hommage à la toute première « pétalisation » de Claire Boucl, réalisée en Australie en 2001, à la suite d’une résidence artistique marquante. En découvrant les forêts calcinées, elle y perçoit à la fois la blessure du paysage et la promesse de sa régénération. Elle entreprend alors de recouvrir un tronc brûlé de pétales rouges, appliqués un à un, comme un baume végétal sur une cicatrice vivante. Ce geste, fondateur de toute sa pratique, est ici rejoué sur une branche de bois flotté, porteuse de mémoire.

Depuis cette première œuvre, les incendies liés au réchauffement climatique se sont intensifiés, prenant l’ampleur de méga-feux aux conséquences écologiques dramatiques. L’origine est à la fois un retour aux sources et un témoignage de l’évolution du monde à travers le regard d’une artiste, vingt ans de création plus tard. Une trace sensible, à fleur de matière, d’un lien intime entre destruction, soin et transformation.

Texte de l'artiste

Installation d'Anaïs Tondeur au château Mourgues du Grès

Le Parlement des Nuages s'appuie sur le protocole photographique de Noir de Carbone, porté par un geste collectif de présences humaines et élémentaires. Ce Parlement s’est formé de la contribution de larges groupes de participants et des ciels de Bengalore (13 août 2023), Chennai (9 mars 2022), de l'Europe entière (15 février 2022, du Trièves (21 septembre 2021)).

Les participants se sont alors réunis en personne ou à distance pour réaliser le portait du ciel au sein duquel ils.elles vivent. Leurs photographies sont ensuite assemblées en une image stratifiée, puis imprimée à partir des particules de noir de carbone, filtrées à travers les fibres de leurs masques, au cours de la journée.

Itinéraire de la trajectoire suivie par les particules de noir de carbone depuis leur point d'émission / Itinerary map of the trajectory followed by carbon black particules from their point of emission.

Ombres des énergies carbonées, les particules de noir de carbone ne connaissent aucune frontière. Elles se dispersent à travers des milliers de kilomètres, pour se déposer notamment à la surface de la glace en Arctique. Elles y forment un dépôt noir qui attire les rayons du soleil, accélérant la fonte des glaces. Le noir de carbone s'infiltre également parmi les plis de nos organes déclenchant un nombre croissant de décès. Par son protocole partagé et la matérialité de l’image, le Parlement des nuages ouvre un espace au sein duquel pensé le ciel bouleversé de l'Anthropocène, à travers notre corps, nos perceptions et nos respirations.

Texte de l'artiste

Sculptures-refuges de Paloma Falcon de Longevialle au château Mourgues du Grès

Paloma Falcon de Longevialle explore la thématique du refuge à travers des sculptures en forme de cocons ou de nids. Ses œuvres, délicates et évocatrices, invitent à la contemplation et à la réflexion sur notre rapport à l’espace et à la protection.

Les sculptures, façonnées en plâtre, évoquent des nids ou cocons géants et nous invitent à la réflexion sur notre rapport à la protection, symbolisant un refuge vide où l’on peut se retirer du tumulte du monde extérieur. 

Un espace entre la sécurité et la vulnérabilité.

Le plâtre, matériau choisi pour sa blancheur et sa texture, devient le cordon ombilical reliant l’individu à ce cocon. Il évoque à la fois la fragilité et la force, rappelant que même dans un environnement vide, il existe un lien fondamental entre l’être et son habitat. Chaque sculpture incarne une invitation à entrer dans un monde introspectif, sa face cachée.

Texte de l'artiste